Entrevista a Scott Derrickson, director de Sinister

 [Publicat a TuPeli (11/2012)]

Scott Derrickson estrena esta semana su cuarta película, Sinister, después de haber pasado por Sitges con una notable acogida. Volvía un film suyo al Festival seis años después de presentar la interesante El exorcismo de Emily Rose, y tuvimos la oportunidad de hablar con él para que nos contara algo más sobre el film y su realización. Café en mano y bien acomodado en el sofá del hotel, respondía a nuestras preguntas.

¿Podrías explicarnos qué influencias tuvo a la hora de escribir Sinister? Vemos en ella ecos de The Ring (Hideo Nakata, 1998) o El resplandor (Stanley Kubrick, 1980).

De hecho con The Ring es como empezó la película; cuando Roger Cargill, mi coguionista, fue al cine a verla, esa misma noche tuvo una pesadilla en la que se encontraba, en su desván, una caja llena de Super 8, y en ella aparecía la que después sería la primera escena de Sinister. También, efectivamente, estaba El resplandor, con ese componente familiar, el proceso hacia la locura y el añadido paranormal. Aparte de éstos, que son los más evidentes, hay otros films en los que me fijé, como Hunter (1986), de Michael Mann, película de la que estoy enamorado y que vi muchas veces mientras escribía la película. También me influenció Impacto (1981), de Brian de Palma, que trata un tema parecido, o Klute (Alan J. Pakula, 1971), por sus aspectos visuales y la fotografía de Gordon Willis. Por último, también citaría Al final de la escalera (Peter Medak, 1980), por contar una historia de fantasmas desde una óptica más emocional.

Crónicas del Atlántida: Kiarostami, McGregor, amores y fin

[Publicat a TuPeli (04/2013)]

Ahora sí, con este capítulo cerramos las crónicas de la tercera edición del que es por méritos propios el mayor festival de cine online del mundo. En el pasado escrito hablábamos de algunas de las más gratas propuestas que había dado el Atlántida, pero lo cierto es que hay más cine que comentar y nombres propios que mencionar –ahí están Abbas Kiarostami, Ewan McGregor, o Eva Green por ejemplo–. Así, como ya vaticinábamos en el anterior texto, tristemente también quedarán varias películas sin reseñar de lo que ha sido la edición más completa y diversa hasta la fecha, compendio de tramas que, por otro lado, formulaban un discurso inteligible en torno a la temática planteada. Ya lo hacía la pasada edición del festival y lo retomaba esta última, centrándose en la generación de jóvenes de veinte y treinta años perdidos en el océano de las incertidumbres, con extravíos de todo tipo que el cine va reflejando en tanto que arte vivo, cada vez más asequible no sólo en su difusión sino también en su producción, y del que el festival organizado por Filmin sirve de plataforma.

Crónicas del Atlántida: Premiadas y otras triunfadoras

[Publicat a TuPeli (04/2013)]

Se acabó el festival y no quedaron films por ver –gracias a un agostador sprint final– pero sí  por comentar, y muchos. Si el año pasado era difícil hablar de todas las películas –de hecho quedaron un par o tres sin reseña–, este año, que aún habían más, era improbable poder abarcarlas todas, ya no por pereza o falta de tiempo sino en pro de aquello tan valioso llamado capacidad de síntesis, que seguro que el lector agradecerá. Así es que en este cuarto capítulo de las Crónicas del Atlántida hablaré, sobre todo, de los films más destacados del Atlántida, entre los cuales están dos de los ganadores, Después de Lucía (Michel Franco, 2012) y Sonidos de barrio (Kleber Mendonça Filho, 2012), y otras aportaciones interesantes, como Crawl (Hervè Lasgouttes, 2012) y Call Girl (Mikael Marcimain, 2012), potentes óperas primas que pudimos ver en la Sección Atlas.

Crónicas del Atlántida: Algunas juventudes desdichadas

[Publicado en TuPeli (04/2013)]

Pues aquí seguimos, de nuevo delante de la pantalla que nos convoca por lo menos una vez al día para ver una de las tantas propuestas que ofrece el abanico del Atlántida. Quien se proponga verlas todas no puede descuidarse porque dispone de un solo mes para ver 37 películas, lo que supone obviamente más de una por día, así que ahí estoy yo intentando seguir el ritmo. Sin embargo, por mucho que lo intento se me están acumulando los títulos y eso me arrastrará, seguro, a un loco tour fílmico o a prescindir de algunas películas, por mucho que me duela. Sea como sea, por el momento sigo al pie del cañón tragando cine con vicio y deleite, engordando de imágenes e historias mis trasnochados sentidos y ordenándolo todo aquí, de forma casi terapéutica, en un fin procesal necesario que perfectamente podría cualificarse de deposición textual.

Crónicas del Atlántida: Otel·lo y Recoletos, arriba y abajo respectivamente

[Publicado en TuPeli (04/2013)]

Empiezo esta segunda parte de las crónicas anonadado, para bien y para mal, por dos films más de la Sección Oficial. En mi primer escrito acababa con un Post tenebras lux que, pese a su obsesiva singularidad, me dejó frío, incapaz de apreciar el mensaje –complejísimo, presumo– que Reygadas pretendía transmitir con su film, que por cierto ganó el Premio a Mejor Director en Cannes y que se presentaba en el Atlántida con un nuevo e inédito montaje. Pues bien, ahí van dos nuevas obras que sí me tocaron la fibra. Una por entrañable –digámoslo así– y otra por extraordinaria. Hablo de Recoletos arriba y abajo y Otel·lo, respectivamente, y el abismo que las separa a ambas. Ninguna de las dos tolera aguas tibias ni tonos grisáceos; pasa aquello tan tópico de odiarlas o amarlas, aunque estén a años luz.

Sitges, día 10: Viajeros del tiempo, mafiosos varios, orgullosos outsiders y premios, muchos premios

[Publicat a TuPeli (10/2012)]

Se adivinaba un grandísimo último día de festival en Sitges, con una programación que olía unánimemente bien y en la que no faltaba ni el más destacado cine yanqui de ciencia ficción e indie, ni algunas muestras más del cine asiático más potente, ni varias de las más celebradas producciones que habían pasado este año por festivales como Canes o San Sebastián. Ningún ingrediente faltaba en esta traca final que empezaba tempranito con Looper, lo último de un Rian Johnson (Brick, 2005) que escribe y dirige y cuenta, en esta ocasión, con un reparto de lujo. Bruce Willis, Joseph Gordon-Levitt y Emily Blunt protagonizan esta cinta de ciencia-ficción sobre viajes en el tiempo, futuros y post-futuros, que aúna tics del cine más independiente con aires de superproducción y puro cine-espectáculo. No se trata, sin embargo, de una película de enormes dimensiones; Johnson prefiere localizaciones concretas, escenarios pequeños y una historia con pocos elementos a embarcarse en una odisea de grandilocuencia desbocada, efectos especiales a punta pala y horror vacui en general. Se agradece esa concreción aunque en ocasiones se echa en falta algo más de ambición con según qué elementos de la trama que tienen un enorme potencial quizás poco aprovechado. Ello no es un problema, en todo caso, para disfrutar de Looper, relato repleto de referencias más o menos obvias –desde Blade Runner hasta Akira–, de cuidada estética y alma de artesano, que se erige como una de las producciones de género más destacadas del año.

Crónicas del Atlántida: Gondry, Reygadas y otros indios

[Publicado en TuPeli (03/2013)]

Empezó de nuevo el Atlántida Film Fest y yo me encuentro lejos de Barcelona, lejos de España y lejos en definitiva, pero ahí estaba el día veintidós, disfrutando del film inaugural de la tercera edición de este singular evento cinematográfico. El nuevo concepto de festival que proponen Filmin y otras plataformas online tiene entre sus principales bondades esa posibilidad, la absoluta flexibilidad de lugar y horario que democratiza el alcance de sus propuestas e incentiva su difusión y consumo. Su liberada exposición tanto en el aspecto espacio temporal como también en la variedad de dispositivos de retransmisión, además de un precio más que asequible, hacen del Atlántida Film Fest una experiencia cinematográfica sólida en su campo, que pretende, además, convertirse en un pilar básico de la nueva exhibición de cine. Tendría que ir quedando claro, a estas alturas, lo inconcebible de que la industria del séptimo arte –cualquier gran industria, de hecho– no case con el mayor medio de difusión de la historia. Que cine e Internet devengan plenamente compatibles no es una opción, es casi una cuestión del destino, así es que cuanto antes ocurra mejor será para ambos. Filmin, como Filmotech u otras plataformas en España, se abren camino en esa dirección promoviendo la difusión cinematográfica por la red con catálogos amplios e iniciativas diversas, como es el Atlántida o el Iber Film América, respectivamente, que se suman a otros eventos similares como Festival Márgenes, o el My French Film Festival.

Sitges, días 8 y 9: Piedad, fobias, lobos y otros monstruos

[Publicat a TuPeli (10/2012)]

El octavo y noveno días en Sitges llegaban menos cargados que los anteriores por cantidad de películas y también por el contenido de éstas, más ameno, quizás, que en las pasadas jornadas. Sólo un plato fuerte se asomaba el jueves 11 por la cartelera, temprano por la mañana y con la mente despejada. Kim Ki-duk volvía a Sitges después del documental presentado en 2011, Arirang, con una obra de ficción que se hizo –no sin polémica– con el máximo galardón en el último Festival de Venecia, muy discutido entre la crítica. Se trata del film Pietà, que narra la historia de un cobrador del saco –llamémosle así– sin compasión alguna que se dedica a extorsionar a deudores para que paguen sus hinchadísimos préstamos. En este caso, la obra de Kim Ki-duk causó en mí un efecto de suflé invertido; empezó irritándome, y mucho, la condescendencia de su violencia, la irremediable tendencia a la incomunicación gratuita, el no decir por no decir, y la constante hipersensibilidad contenida y lagrimeo de algunos personajes, además de algunas sobrantes evidencias de guión. Después, sin embargo, con el paso de los minutos, todo va encajando, explicándose y cobrando sentido para culminar en un potentísimo final que deja una imagen para la posteridad. Aplausos en la sala y satisfacción generalizada con el renacido Kim Ki-duk.

Crítica a Las flores de la guerra

[Publicada a Tu peli (02/2013)]

Puntuació: ★★★★★

Como Ciudad de vida y muerte (Lu Chuan, 2009), estrenada en nuestras salas hace un par de años, Las flores de la guerra vuelve a las arenas movedizas de la historia china reciente, contextualizándose de nuevo en un escenario terrible que permanece fresco en la memoria colectiva del país, estigma que se antoja lejos de cicatrizarse. Se trata de la masacre de Nankín, llevada a cabo por el ejército japonés después de invadir la que entonces era la capital de la República China, en 1937. La aposentación de los soldados nipones en la ciudad trajo consigo un capítulo de violencia contra civiles y los vestigios de un apocado ejército chino que aún hoy sigue escociendo. De esa sangre derramada han florecido a lo largo de los años varias producciones, casi siempre epopeyas bélicas, retratos épicos como el que hoy nos ocupa, u otras como la citada Ciudad de vida y muerte, Black Sun: The Nanking Massacre (Tun Fei Mou, 1995) o la australiana Los niños de Huang Shi (Roger Spottiswoode, 2008). Todas ellas exhiben sin tapujos las venas abiertas del Asia oriental, y tienden a posicionarse y describir el episodio con un diáfano contraste entre buenos y malos, algo que si bien parte de realidades históricas, resulta muy revelador en tanto que espejo de la relación entre los dos países y las percepciones de su población.

Sitges, día 7: Enfermos célebres, mujeres solas, harenes chinos y perros extraviados

[Publicat a TuPeli (10/2012)]

Después de un agradecido día de descanso volvía a Sitges tempranísimo por la mañana para presenciar la ópera prima de Cronenberg Júnior, Antiviral, que recoge el testimonio del horror alucinado del bueno de su padre David para relatar una distopía en la que los famosos son semidioses y sus enfermedades bendiciones. La película de Brandon Cronenberg quiere llevar al extremo la figura del ídolo con una trama en la que describe a una sociedad dividida entre el famoseo y un fenómeno fan global que engulle celebridades, literalmente, y aspira a contagiarse con sus mismos virus. Entre las virtudes de este desquiciado vaticinio están también sus principales defectos; parte de una premisa interesante pero en ningún caso factible, y aun así tiene el atrevimiento de tomarse a sí misma en serio. Eso invita al espectador a congeniar con su peculiar planteamiento, pero impide a la vez que se la pueda considerar una advertencia de un posible futuro o una crítica extrapolable a la actualidad. Sí bebe de ella pero se va de madre en sus tesis futuristas, siendo Antiviral una película estimable por lunática más que por congruente. Estéticamente, eso sí, es indiscutible. Cronenberg suple con ingenio sus limitaciones de presupuesto con una estética blanquecina, pálida y enfermiza, tan sólo manchada por el rojo oscuro de la sangre, que encaja a la perfección con la historia. Cabe mencionar también la labor del protagonista, el desconocido Caleb Landry Jones, que realiza una compleja y estupenda actuación.
 

Crítica a El atlas de las nubes

[Publicada a Tu peli (02/2013)]

Puntuació: ★★★★★
 
Llama la atención cómo un film de tan grandes dimensiones, producción de más de cien millones de dólares afín a todos los cánones del cine masivo, ha tenido una promoción tan pobre. Llega a nuestras carteleras y hasta ahora ha pasado relativamente inadvertido, de la misma forma que en los más importantes premios cinematográficos anuales, en los que apenas ha sido nombrado. El atlas de las nubes se percibe a primera vista como un film proscrito, denostado por su condición de superproducción out-Hollywood que devendrá film de culto en pocos años. Luego uno la ve y entiende en parte su ostracismo en los Oscar y demás premios, y diría que responde también al contraste entre su vocación grandilocuente y su discreto resultado. Dirigido por el alemán Tom Tykwer (El perfume, 2006, Corre, Lola, corre, 1998) y los hermanos Wachowski (Matrix, 1999), El atlas de las nubes es cine a gran escala, historia, ciencia-ficción, comedia y thriller, relatos que se cruzan en un vaivén de cien lustros, efectos visuales para mear y no echar gota, maquillajes imposibles para ver a los actores como nunca antes y actuaciones más que remarcables… Acapara tal número de nombres e ingredientes y sus alicientes son tantos y tan variados que se antoja difícil encontrar a alguien que no disfrute con ninguno de ellos. Si no es ver a Tom Hanks haciendo de pérfido curandero es conocer una distopía a la coreana; si no es la historia de un joven abogado antiesclavista son las peripecias viejunas de un editor en horas bajas… Su virtud, en este sentido, es también su gran problema: gusta y disgusta por partes, como si fuera un irregular compendio de novelas cortas con un difuso punto en común.

Sitges, día 5. Zombis cabizbajos, robots jubilados y outsiders molones

[Publicat a TuPeli (10/2012)]

El quinto día en Sitges pintaba incluso mejor que el anterior, igualmente variado pero marcado por dos títulos hacia los que tenía especial interés. El primero, cómo no, era lo nuevo del malote de Rob Zombie. Ya con su ópera prima, la psicodélica, bizarra y desquiciada La casa de los 1000 cadáveres (2003), abrió un hueco en mi corazón que, vale decirlo, hasta ahora no había conseguido volver a llenar. Sus Halloweens (2007, 2009) y su Superbeasto (2009), aunque apreciables, no conseguían llamarme la atención como lo hicieron la mencionada Casa de los fiambres y la segunda parte, Los renegados del diablo (2005), y todo apuntaba a que con The Lords of Salem me reconquistaría. Honda decepción, la mía, después del pase. Ni rastro de la psicodelia, ni rastro de la violencia frívola y el desquicio argumental, ni rastro en definitiva de ese Rob Zombie joven y primerizo. Àngel Sala, director del festival, decía vía Twitter que esta película era el comienzo de algo muy grande. No le quito la razón a Sala; The Lords of Salem tiene buenos apuntes e intenciones, pero el resultado, de momento, es fallido. El problema, básicamente, es que deja frío. Ni horror, ni asco, ni angustia, ni lástima, ni siquiera risas; la de Zombie es una obra emocionalmente impermeable que habla de brujas y satanismo pretendiéndose profunda, buscando el lucimiento de su protagonista, Sheri Moon Zombie, y acercándose al clasicismo formal, pero nada acaba de funcionar como debería. El potencial lo tiene, también la imaginería –la figura de Satanás y la imagen final, memorables–, por lo que quizás sea mejor tomarse esta obra como una transición… Sea como sea, parece que no fui el único que se llevó un chasco porque en el pase matinal se oyeron más silbidos que aplausos.

Crítica a Gangster Squad

[Publicada a Tu Peli (02/2013)]

Puntuació: ★★★★★

Empieza a quedar lejos la gloria del cine de gánsteres; llegan a la televisión con fuerza pero merma su presencia en un cine que los echa de menos, no sólo en el blanco y negro de El sueño eterno, El tercer hombre y compañía sino también en su versión setentas u ochentas, la de los Coppolas, De Palmas y Scorseses. Sobreviven reminiscencias, directores como Michael Mann que insuflan algo de vida al género, aunque últimamente es innegable que el cine pierde terreno respecto a su hermana menor. Ante eso, la gran pantalla responde con esta producción, tan puramente cinematográfica como por desgracia malograda, film entregado a los tiempos modernos de trama expeditiva y personajes guays reunidos en una especie de Ocean’s versión polis versus mafia.

Sitges, día 4: Tsunamis azucarados, nazis espaciales y muñecos diabólicos

[Publicat a TuPeli (10/2012)]

Empezaba la cuarta jornada en Sitges radiante, por el tiempo y por la programación, variopinta y atractiva. La primera parada, en el Auditorio, estaba reservada para la nueva y esperada obra de Juan Antonio Bayona, Lo imposible. Después nos trasladaríamos al Retiro para ver las dos siguientes películas, la finlandesa Iron Sky y la gallega O Apóstolo, la primera una comedia retro-futurista y la segunda una burtoniana animación en stop-motion, las tres con presentación de sus respectivos directores.

Crítica a Coriolanus

[Publicada a Tu peli (01/2013)]

Puntuació: ★★★★★

Coinciden en pocos meses dos revisiones de los textos del dramaturgo por antonomasia, ejemplos de cine singular que adaptan a Shakespeare de forma libre, con un único punto en común que es la actualización de su obra al contexto contemporáneo. Partiendo de esta premisa, distan en todo lo demás, ofreciendo sendos relatos desde ópticas casi antónimas pero en ningún caso faltas de interés. La primera es la adaptación del Julio César shakesperiano de dos veteranos del séptimo arte, los hermanos Taviani, rodada con un preciosista formato documental que describe los ensayos e interpretación de la obra por parte de presos romanos, entregados a la pasión y la retórica de Sir William. Paolo y Vittorio Taviani usan el blanco y negro digital, la geometría de la arquitectura carcelaria y el aspecto rudo de sus protagonistas para destacar el omnipresente contraste en su película, ambivalente exhibición de fealdad y belleza que les valió el máximo galardón en la última Berlinale. César debe morir cuenta también con el implícito paralelismo, tan potente como autoconsciente, del relato de Julio César trasladado a día de hoy en unas circunstancias muy concretas, con símiles aislados pero visibles y significativos. 

Sitges, día 3: Terremotos, Erasmus y maníacos

[Publicat a TuPeli (10/2012)]

El tercer día en Sitges se estimaba menos estimulante que los dos anteriores, con títulos que como Insensibles podían dar la campanada pero que a priori no invitaban a pensar en grande. Aftershock y Maniac se presentaban como platos fuertes de la jornada, pero lo cierto es que ninguna de las dos películas ha acabado de convencer, especialmente la primera, producción estadounidense y chilena que cuenta con la colaboración del muy querido Eli Roth, responsable de la saga Hostel que en esta ocasión coescribe y coprotagoniza. Se encarga de la dirección Nicolás López, quien debuta en el cine de género después de pasar por la comedia ligera, algo que se nota en varios momentos de la película y en especial al principio, donde todo tiene cierto aire a Resacón a la chilena. Hasta los protagonistas se parecen a los de la franquicia de Todd Phillips, y no sólo en su físico, también en su forma de ser…

Crítica a Lincoln

[Publicada a Tu peli (01/2013)]

Puntuació: ★★★★★

Muy sucios o ignorantes nos tienen que haber visto para sumergirnos en semejante baño de historia norteamericana, hasta en la sopa últimamente con un inacabable repertorio desde Lincoln hasta lo más reciente: Django de Tarantino a Argo de Affleck, The Master de Anderson a Zero Dark Thirty de Bigelow, nos hacemos a la idea del país gracias a todas las aportaciones y, sobretodo, a lo que cuenta –y no cuenta– Steven Spielberg en su film a estrenar, pulidísimo biopic del exmandatario yanqui por excelencia que desde el cine primero y El nacimiento de una nación (D. W. Griffith, 1915) ha sido siempre carne de cañón audiovisual. Efectivamente, el señor Abraham ha dado que hablar, y mucho, pero hasta ahora no había disfrutado de un retrato hiperrealista como el que nos ofrecen el director y su protagonista, un Daniel Day-Lewis para variar excelso. Lincoln describe con absoluta meticulosidad los momentos clave de un dirigente clave del país norteamericano, basándose en el «humanizado» libro de Doris Kearns Goodwin y aprovechándose de una extraordinaria dirección artística. Day-Lewis, por su lado, y aun siendo irlandés, se ha convertido en un álbum de fotos históricas de los Estados Unidos andante, como demuestran sus antecedentes: Pozos de ambición (P. T. Anderson, 2007), Gangs of New York (Martin Scorsese, 2002), El crisol (Nicholas Hytner, 1996), La edad de la inocencia (Martin Scorsese, 1993), El último mohicano (Michael Mann, 1992)… toda una institución.

Crítica a Django desencadenado

[Publicada a Tu peli (01/2013)]

Puntuació: ★★★★★

Django desencadenado deja claro, desde el primer minuto, que Quentin Tarantino ya no es ese chaval atrevido y espontáneo que deslumbró con su cine pop en los noventa, sino una figura consolidada, alguien por todos conocido que ya no cuenta con esa importante baza que es el efecto sorpresa. Sus trazos, su humor, su alma B, su dinamismo y su gamberrismo cinematográfico son sabidos por los espectadores, que sólo esperan que siga la fiesta, entregados a sus dotes. Y es que para su suerte, el director norteamericano no necesita de la sorpresa para conectar con el público; su cine tiene suficiente calidad como para no resentirse de ello y seguir una saga triunfal de films que insisten en un altísimo listón que de momento no baja, discutible tan sólo por las percepciones subjetivas que rebaten ciertos guiones, ciertos tics tarantinísimos. Así, el nuevo film del malote de Tennessee no escatima en ninguno de los ingredientes de su receta mágica, que empieza, cómo no, por unos protagonistas carismáticos hasta decir basta encarnados por un Jamie Foxx de lo más sexi y un Christoph Waltz que huele a fetiche desde su periplo nazi. A ellos se le suma un finísimo DiCaprio, canela fina interpretativa, y todo lo demás: aspersores de hemoglobina, humor frívolo y chistes tontorrones, referencias a Leone y demás figuras del otro cine, acción a punta pala y música maestro; cine de calidad tan disimuladamente pretencioso como terrenal, accesible para –casi– todo el mundo.

Crítica a Amor

[Publicada a Tu peli (01/2013)]

Puntuació: ★★★★★

Vislumbro al fin, después de varias películas, la raíz de mi distanciamiento con Michael Haneke, algo que trasciende lo cinematográfico y que tiene que ver, más bien, con una percepción vital. El director austríaco-alemán nunca se traiciona en sus obras, claros reflejos de un punto de vista que es en fin la definición de su cine, conjuntada en su discurso y coherente en sus conclusiones. Por esa franqueza, diáfana en su carácter autorreferencial, conocemos al Haneke proyectado, un europeísimo burgués cultivado en todos los ámbitos artísticos, estudioso del comportamiento humano en contextos y situaciones muy concretas y casi siempre desfavorables. La frialdad de su cine, la impenetrabilidad de sus personajes, siempre recelosos al exhibicionismo sentimental, adivinan a un realizador automáticamente reacio, de la misma manera, a cualquier manifestación explícita de afecto, jugador de la liga de las señales, de la estima implícita y del amor más captado que sabido, que siempre guarda una distancia prudencial. 

Crítica a Zero Dark Thirty (La noche más oscura)

[Publicada a Tu peli (01/2013)]

Puntuació: ★★★★★

El anterior trabajo de la directora californiana Kathryn Bigelow, ganador de los Oscars a Mejor película, dirección y guión, entre otros, tenía un grave problema que no pareció trascender entre la Academia ni los círculos de críticos, que la enaltecieron incondicionalmente. En tierra hostil (2008) acusaba, sin embargo, de una alarmante falta de peso dramático, de relevancia en una trama inusualmente ligera, casi anodina, en la que todo se debía al sentido del espectáculo. Su falta de gravedad ante unos hechos tan recientes era algo casi frívolo, fácilmente irritante ya no por su norteamericanísimo punto de vista, sino por el desinterés hacia cualquier víctima, por la desidia hacia lo no espectacular, lo antiestético de una guerra. Bigelow hizo de su film un emblema del prodigio técnico, en total contraste con su oquedad argumental, que tomaba la reciente Guerra de Irak como pretexto para demostrar más fuerza que maña con un espectacular show de pirotecnia cinematográfica.